Développé par Otorakobo Inc. et sorti sur Nintendo Switch le 17 avril 2025, Irisy Aqua déploie son arène comme un prisme : sept combattantes, sept couleurs, une promesse d’affrontements stratégiques où chaque mètre conquis est peint, effacé, recoloré dans l’urgence. L’idée est simple : la couleur, c’est le pouvoir. Contrôlez l’arène, imposez votre spectre, absorbez les points.

Mais derrière la saturation visuelle et les héroïnes stéréotypées, le jeu repose sur une boucle rapide, presque rituelle : trois minutes pour tout jouer, tout perdre, tout recommencer. Ni MOBA, ni shooter, ni puzzle : Irisy Aqua ne choisit pas, il compile. Chaque match est un vertige lumineux, chaque victoire un flash. Et dans ce dispositif brutalement efficace, la narration tente de s’infiltrer, avec ses voix, ses drames, ses parcours.

Alors Irisy Aqua réussit-il à faire de sa mécanique un système, de ses héroïnes des figures, de sa lumière un langage ? Ou n’est-il qu’une projection décorative, sans mémoire, sans menace, sans profondeur ?

Une lumière sans trajectoire, des figures sans mémoire

Irisy Aqua s’ouvre sur une promesse : sept héroïnes, sept spectres, un monde où la couleur incarne la volonté. Mais cette promesse s’effondre dès les premières lignes. Le jeu évoque un mythe – Eden, source matricielle de toutes les teintes – mais il n’en fait rien. Pas de tension narrative, pas d’arche dramatique. Seulement des prétextes à habiller les combats d’un vernis symbolique. Chaque personnage est défini par une couleur, une attitude, une voix. Mais rien ne bouge. Elles sont des icônes sans parcours, des fonctions sans trajectoire.

Le mode histoire tente de se poser comme une alternative scénarisée, doublée, ponctuée d’instants de dialogue. Mais ce doublage, loin de densifier l’expérience, révèle l’absurdité du dispositif. Les héroïnes parlent, s’interpellent, s’affrontent verbalement entre deux matches… sans jamais construire un espace commun, une mémoire partagée, une logique interne. Les séquences s’alignent, mais ne s’emboîtent pas. Ce n’est pas une narration. C’est une juxtaposition de moments qui s’annulent.

Chacune possède son profil – provocante, mélancolique, combative, distante – mais ces traits sont figés. Aucune progression, aucune cassure, aucune ambiguïté. Le jeu ne raconte pas ce que ces figures veulent. Il les place, il les utilise, puis il les remplace. On ne les comprend pas. On ne les suit pas. On ne les perd pas. Elles sont là pour exister en dehors de tout récit, comme si la simple accumulation de voix suffisait à faire fiction.

Même la structure d’Eden, présentée comme matrice originelle, ne produit aucun cadre mythologique. Elle est nommée, montrée, invoquée, mais ne relie rien. Le monde n’a pas d’histoire. Il a des effets visuels. Le combat ne s’inscrit pas dans un conflit, mais dans une rotation. On joue des figures qui se battent pour une couleur, sans jamais savoir ce que cette couleur transforme, ce qu’elle défend, ce qu’elle détruit.

Irisy Aqua aurait pu bâtir une guerre chromatique tragique, une rivalité de spectres et de récits. Il n’a construit qu’une galerie. Et quand tout s’efface, il ne reste rien à retenir. Pas de personnage. Pas de tension. Pas de trace.

Un système qui clignote sans jamais frapper

Sous ses impulsions visuelles et ses parades chromatiques, Irisy Aqua cherche à construire une boucle rapide, tactique, spectaculaire. Chaque match dure trois minutes. Trois minutes pour conquérir le terrain, remplir la jauge, renverser l’adversaire. Le décor ne change pas. L’espace est un damier neutre, sans relief, sans surprise. Vous vous déplacez, vous tirez, vous recolorez. Puis vous recommencez. Il n’y a pas d’enjeu spatial, pas d’apprentissage progressif. Seulement une arène quadrillée, saturée d’effets, vidée de tension.

Le système repose sur une idée : la couleur est pouvoir. Chaque héroïne possède un spectre, une dominante, une mécanique. En changeant de teinte, vous modifiez vos stats, vos effets, votre présence. Mais ce principe n’est jamais exploité. Il reste en surface. La transformation est immédiate, purement optique. Elle n’a pas de poids. Pas de coût. Pas de conséquence. Elle n’impose ni choix ni renoncement. C’est un pouvoir sans contrepartie. Une esthétique au service d’un automatisme.

La construction du deck, censée approfondir la stratégie, suit la même logique. On choisit ses cartes, on active ses compétences, on enchaîne ses combos. Mais là encore, tout est contrôlé. Les options sont limitées, les interactions faibles, les variations minimes. Le système semble ouvert, mais il est rigide. Vous ne créez rien. Vous appliquez une recette, validée en amont, testée, verrouillée. La partie devient exécution, pas invention. Chaque match se joue sur des réflexes, pas sur des idées.

Même la progression, pourtant abondamment mise en scène, ne change rien à la boucle. Vous débloquez des héroïnes, des voix, des répliques, des fragments de scénario. Mais tout est périphérique. Rien ne touche au centre. Vous jouez les mêmes matchs, dans la même arène, avec les mêmes mécaniques. Le rythme est soutenu, l’habillage convaincant, mais l’ensemble tourne à vide. Il n’y a pas de courbe. Pas de tension. Pas d’issue.

Irisy Aqua est un système lumineux, rapide, parfaitement huilé. Mais il refuse le désordre. Il évite la rupture. Il enchaîne les séquences sans jamais les briser, sans jamais les ouvrir. C’est un jeu qui brille sans éclairer. Il pulse, mais ne frappe pas.

Un excès de clarté qui efface tout contraste

Tout dans Irisy Aqua cherche à saturer le regard. Couleurs vives, animations permanentes, lumières qui s’entrechoquent. L’arène se transforme à chaque seconde, repeinte par les actions de chacun, envahie de signaux visuels qui masquent l’absence de structure. Il n’y a pas de contraste. Il n’y a pas de tension. Il n’y a que l’éclat, permanent, généralisé, sans silence. La lumière n’est jamais utilisée pour guider, rythmer ou signifier. Elle est un fond, un code, une pulsation abstraite. Elle n’évoque rien. Elle recouvre tout.

Les héroïnes suivent le même principe. Chacune a son identité visuelle : posture, costume, couleur dominante. Mais cette différenciation est cosmétique. Aucune ne produit une présence. Elles existent comme des avatars interchangeables, figés dans une animation stéréotypée. Leurs mouvements sont fluides, techniquement propres, mais sans poids, sans matière. Elles traversent l’arène comme des silhouettes sans masse. Ce ne sont pas des corps, ce sont des effets.

Les effets spéciaux eux-mêmes deviennent un obstacle. Chaque compétence déclenche une explosion, une traînée, un impact coloré. Le combat devient un écran permanent. On ne lit plus l’action, on la subit visuellement. Ce n’est pas une esthétique du chaos, c’est une esthétique de la saturation. Elle ne cache rien, elle révèle une chose : l’absence de hiérarchie, l’absence de respiration, l’absence d’intention plastique autre que le trop-plein.

La bande-son n’offre aucun contrepoint. Les musiques sont rapides, synthétiques, alignées sur le tempo des combats. Pas de thème, pas de rupture, pas de silence. C’est un accompagnement rythmique, pas une ambiance. Elle suit, elle cadence, elle ne construit rien. Les voix des héroïnes, doublées, ponctuent les affrontements, mais sans impact. Chaque phrase est une exclamation, un stéréotype, un bruit de surface. Elles parlent, mais ne sonnent jamais juste. Ce ne sont pas des voix qui habitent le jeu, ce sont des interjections qui remplissent.

Irisy Aqua maîtrise ses codes. Mais cette maîtrise tourne à vide. Chaque élément visuel ou sonore confirme le dispositif : séduire, remplir, accélérer. Jamais ralentir. Jamais découper. Jamais choisir. C’est un jeu qui a peur du vide. Et comme tous les jeux qui craignent le vide, il sature l’espace pour mieux éviter la question essentielle : qu’est-ce qui reste quand tout s’éteint ?