Dix ans après le premier opus et trois ans après Dying Light 2: Stay Human, Techland choisit de transformer ce qui devait être une extension en une expérience autonome : Dying Light: The Beast. Disponible depuis le 18 septembre 2025 sur Xbox Series, le titre revendique un retour aux racines de la licence, celles d’un cauchemar urbain où chaque pas est un pari contre la mort et où la nuit n’est pas seulement un décor mais une condamnation. Là où le précédent chapitre multipliait les systèmes et dispersait son souffle dans la surabondance, The Beast resserre l’étau, assume son ADN de survival nerveux et plonge le joueur dans une fresque plus intime, plus brutale, où chaque seconde compte.

Le studio polonais entend-il ici réconcilier les vétérans qui regrettaient la tension viscérale du premier épisode et séduire une nouvelle génération avide d’adrénaline ? C’est toute la promesse de ce retour à l’essentiel : offrir une expérience où le parkour, le combat au corps à corps et la peur d’être traqué se conjuguent à une intensité rarement atteinte.

Les cicatrices d’un héros

Treize ans après les événements de The Following, Kyle Crane reprend vie au cœur d’une vallée en apparence paisible mais rongée par des secrets. Captif des expériences d’un certain Baron, figure à la fois scientifique et tortionnaire, le héros est brisé puis recomposé, transformé en hybride entre l’humain et l’infecté. Cette altération, loin d’être une simple mécanique de jeu, devient le moteur narratif d’une fresque plus sombre : Crane n’est plus seulement le survivant emblématique de la franchise, il incarne désormais la fragilité d’un corps tiraillé entre instinct et conscience, entre bête et homme.

À ses côtés se dresse Olivia, rescapée des mêmes laboratoires, dont la détermination guide ses pas et dont les actions rappellent sans cesse que la survie n’est jamais solitaire. Plus qu’une alliée, elle est le miroir moral de Crane, celle qui, par sa résilience et son intelligence, révèle les zones d’ombre d’un héros marqué par la douleur. Leurs échanges, souvent brefs, toujours tendus, soulignent le poids d’un passé qui refuse de disparaître et la nécessité de reconstruire une humanité au bord de l’extinction.

Le monde qu’ils traversent est celui de Castor Woods, territoire rural et forestier où les reliefs embrumés et les silhouettes de bois tordus remplacent les gratte-ciel et les ruines bétonnées. Ici, chaque cabane, chaque sentier, chaque maison isolée devient un théâtre de survie, et les rencontres avec les habitants du Town Hall insufflent une tonalité presque mélancolique. Ces survivants, dirigés par un shérif désabusé, incarnent autant de fragments d’une société en lambeaux : leurs voix, leurs doutes, leurs avertissements dessinent la toile de fond d’un récit où l’espoir se confond avec la peur.

Mais c’est la présence de la « Bête », ombre tapie dans la forêt, qui impose son empreinte à la narration. Chassant les hommes du Baron, elle devient symbole autant que menace, catalyseur des angoisses collectives et révélateur du combat intérieur de Crane. Face à elle, face à lui-même, chaque pas vers la vérité rapproche le joueur d’un affrontement autant psychologique que physique.

En resserrant son écriture, The Beast abandonne la dispersion de son prédécesseur pour retrouver la tension d’une progression linéaire. Ce choix donne à l’histoire une intensité nouvelle : plus directe, plus viscérale, moins tentée par l’illusion de l’open world narratif. Loin d’être une faiblesse, cette orientation recentre l’attention sur les personnages, sur leurs cicatrices, sur la lutte qui oppose l’homme à ce qu’il pourrait devenir.

Le souffle retrouvé de la survie

Avec The Beast, Techland resserre son expérience autour de ce qui a toujours défini la série : l’urgence du mouvement, la brutalité du combat et la peur de la nuit. Là où Stay Human se perdait parfois dans une profusion de systèmes, ce nouvel opus choisit la clarté. Le parkour retrouve une nervosité qui surprend dès les premières minutes. Chaque escalade, chaque saut, chaque fuite redevient une respiration haletante, un élan qui vous arrache à la morsure du danger. Les toits, les cabanes, les branches tordues de Castor Woods deviennent autant de prises, autant de chances de s’extirper d’une horde ou de gagner un point de vue stratégique. Le décor n’est plus un simple décor : il est partenaire, complice, parfois piège.

Mais c’est l’introduction du pouvoir bestial qui transforme véritablement la dynamique du jeu. À intervalles mesurés, Crane peut embrasser la part d’ombre que lui a laissée le Baron et se métamorphoser en prédateur. Plus rapide, plus puissant, il fend les rangs ennemis dans un déchaînement de coups bruts et de projections spectaculaires. Cette force n’est pourtant jamais gratuite. Chaque utilisation réduit la frontière entre l’homme et le monstre, chaque transformation pèse comme un rappel que la survie se paie toujours d’un prix. Le joueur apprend vite à redouter autant qu’à convoiter cette capacité, dans une oscillation constante entre ivresse et prudence.

Les affrontements, eux, conservent la rugosité de la franchise. Les armes se brisent, les munitions se comptent, chaque improvisation est une question de secondes. Rien n’y est jamais confortable. Une planche cloutée devient un salut provisoire, une torche improvisée l’unique rempart contre l’obscurité. Cette fragilité redonne au combat un poids qu’on croyait perdu, un rappel que le héros n’est pas un soldat surarmé mais un survivant vulnérable.

La structure du jeu épouse cette philosophie. Plus ramassée, plus concentrée, elle enchaîne les séquences avec une intensité continue. Les missions principales, tendues comme un fil, conduisent Crane vers l’affrontement avec le Baron. Les détours facultatifs comme fouiller une ferme, protéger un camp ou explorer une maison isolée ne sont jamais de simples parenthèses. Chaque activité ajoute une nuance, une information, un souffle nouveau à la progression. Le monde n’est pas vaste pour le simple spectacle. Il est dense, pensé comme un labyrinthe de bois et de clairières où chaque détour peut cacher autant une ressource salvatrice qu’un piège mortel.

Dans cette concentration, Techland réussit ce que l’épisode précédent n’avait pas osé : redonner de la valeur à chaque pas. On ne traverse plus la carte pour le plaisir d’accumuler des marqueurs, on se bat pour survivre à la prochaine nuit. Et quand tombe l’obscurité, que les hurlements des infectés lacèrent la forêt, le jeu révèle toute sa cruauté. Courir devient prière, se cacher devient réflexe, et l’adrénaline, plus qu’un moteur, une drogue à laquelle il est impossible de renoncer.

Un voile sylvestre, une partition oppressante

Castor Woods ne cherche jamais à séduire par la variété ou la couleur. La vallée impose un décor de forêts épaisses, de routes défoncées et de cabanes délabrées où dominent le brun, le gris et les reflets d’une lumière souvent froide. Techland assume une austérité qui finit par peser sur l’exploration mais qui sert avant tout à installer une oppression continue. L’œil se perd volontairement dans des motifs répétés, la clairière ressemble à la précédente, les sentiers se confondent, et ce manque de repères nourrit la peur plus sûrement qu’un simple sursaut.

La lumière travaille à renforcer cette sensation. Au coucher du soleil, les troncs projettent des ombres étirées qui déforment l’espace et piègent le regard. La nuit plonge tout dans un contraste brutal où seules les torches et les braises éclairent une poignée de mètres, tandis que les hurlements des infectés s’approchent par vagues. Les moments où Crane libère sa part bestiale déclenchent des jaillissements d’effets, spectaculaires mais parfois confus, qui traduisent l’intensité de la métamorphose au détriment de la lisibilité immédiate.

Le paysage sonore complète ce tableau avec une précision glaçante. Les craquements des branches, le souffle du vent, les cris lointains composent une toile où le silence pèse autant que le bruit. La musique, discrète, préfère accentuer les instants de tension que dominer l’ensemble. Elle surgit dans un combat, disparaît dans une phase d’exploration, laisse place à la respiration du décor. Les voix enfin portent l’émotion : Crane, fatigué et marqué par ses années de survie, parle avec une gravité qui traduit le poids de ses cicatrices, tandis qu’Olivia incarne une énergie plus vive, un contrepoint humain à la noirceur ambiante. Chaque survivant rencontré au Town Hall ajoute sa nuance, entre lassitude et obstination, et donne chair à un monde qui aurait pu se contenter de silhouettes.

Le résultat impose une cohérence forte, parfois trop stricte, mais toujours au service de l’atmosphère. L’uniformité peut lasser, la surabondance d’effets visuels gêner la lisibilité, mais l’ensemble réussit ce pari rare : transformer un espace limité en prison psychologique, et donner au joueur la sensation d’être traqué par un environnement autant que par ses ennemis.